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Dieci film di Bollywood e indipendenti imperdibili del 21° secolo

Secondo i critici, gli anni '90 sono stati pessimi. Ma all'inizio del millennio le cose sono solo peggiorate. Proprio quando tutte le speranze erano andate perse, miracolosamente, grazie all'emergere di una nuova generazione di attori e registi indipendenti, Bollywood virò verso un cambiamento sismico la cui eredità lo modella ancora oggi.

Dai un'occhiata alla nostra selezione di film di Bollywood e indipendenti del 21° secolo.

Pensa alla 'moderna' Bollywood e due film si distinguono. Entrambi così oltraggiosamente diversi l'uno dall'altro nei loro soggetti e stili visivi che la loro stessa espressione nello stesso respiro può sembrare un oltraggio ai cinefili. Tieni i tuoi cavalli. Sono Satya e Dil Chahta Hai. Non sorprenderti se la prima persona a offendersi per quella dichiarazione è lo stesso Ram Gopal Varma, il 'genio perduto' di Satya. E l'uomo che aveva ridefinito la grammatica del romanticismo negli anni '90 con Rangeela. Ma concediti un momento per lasciar penetrare il confronto. Gratta la superficie e hanno alcune cose in comune. Satya ha praticamente inventato il moderno realismo di Bollywood. Ambientato nella terra dei gangster di Bombay, era, su un certo livello, forse più fantasia che realtà. Secondo l'anticonformista RGV, oggi ridotto a un fantasma del passato, la grinta di Satya, a partire dal titolo, è stata influenzata dall'ossessionante Ardh Satya di Govind Nihalani.

In altre parole, ciò che Satya ha fatto al 'realismo' ciò che Dil Chahta Hai di Farhan Akhtar ha fatto all'urbanistica, un debutto rivoluzionario che ha posto le basi per ogni commedia urbana che è venuta dopo. DCH ci ha entusiasmato con una nuova rappresentazione del realismo urbano. I rozzi gangster di Satya parlano molto come potrebbero fare i rozzi gangster, a meno che tu non conosca personalmente un mafioso furbo che, come ha osservato una volta il paroliere Gulzar, invocherebbe Ghalib invece di 'Goli maar bheje mein'. D'altra parte, i bon mot urbani di Dil Chahta Hai sono stati probabilmente la prima volta che hai sentito il millenario parlare su uno schermo hindi. Le battute del film continuano ad abbellire GIF e meme.

Alimentato da tagli di capelli alla moda (questo è quello che succede quando tua moglie possiede un salone), viaggi su strada a Goa e uscite giornaliere per ragazzi d'élite, DCH, dalla sua uscita nel 2001, ha raccolto un enorme seguito di fan. Se, a volte, l'ensemble di formazione (interpretato da Aamir Khan, Dimple Kapadia, Akshaye Khanna, Preity Zinta e Saif Ali Khan), con i suoi alti valori di produzione, gioca come un costoso film pubblicitario, la colpa è del regista Farhan Akhtar (esaminando un'esperienza personale di privilegio e rifiuto da riversare nella sceneggiatura) che si era fatto le ossa nella pubblicità prima dei suoi giorni di cinema.

Oggi, potremmo aver perso Farhan Akhtar The Director a, sfortunatamente, Farhan Akhtar The Actor, il suo debutto è arrivato in un momento in cui Bollywood aveva un disperato bisogno di nuove voci audaci. Questo è successo molto prima che Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj e altri precursori di speranza irrompessero sulla scena per darci la loro interpretazione dell''amore' come per sfidare la formula di Bollywood. Mentre le fabbriche di gloss di Karan Johar erano incentrate sull'amore per la tua famiglia, Kashyap, Bhardwaj e simili hanno capovolto quell'idea in aperta sfida, sposando invece famiglie e relazioni disfunzionali che erano probabilmente più reali delle emozioni del designer di Johar.

Il cinema hindi ha segnato il millennio con Amitabh Bachchan, il più grande di tutti, che lotta per trovare il suo mojo perduto tramite Mohabbatein, la nascita di Hrithik Roshan (anche, purtroppo, di Amisha Patel in Kaho Naa..Pyaar Hai) e un classico Akshay Il campo di Kumar-Suniel Shetty chiamato Dhadkan in cui Anna, residente a Bollywood, si è battuta come amante abbandonata. I successi del 2000 erano per lo più tagliati dalla stessa stoffa di quelli degli anni '90, il cordone ombelicale finalmente aperto dal Santo Graal che era Dil Chahta Hai.

Il decennio 2000 potrebbe aver avuto un inizio provvisorio, ma alla fine, come si è scoperto, si è rivelato un'era inestimabile, che ci ha dato dozzine di film influenti da amare e a cui pensare, un'eredità che continua ancora oggi. Lo sviluppo più straordinario del cinema hindi del 21° secolo è l'inaspettata ascesa di talenti così diversi come Irrfan Khan, Nawazuddin Siddiqui, Rajkummar Rao, Manoj Bajpayee, Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj, Radhika Apte, Ayushmann Khurrana, Sriram Raghavan, Alia Bhatt e Vicky Kaushal, per citarne alcuni. In un ecosistema di ritrovata libertà e nuovo ordine gerarchico, i film hindi sono diventati un riflesso della società in cui vivevamo ed espressioni ferocemente personali di coloro che realizzano questo marchio intransigente di cinema, contribuendo a spiegare una rinascita creativa a Bollywood mai vista in precedenza. Se si trattava di trovare finalmente il polso del pubblico, un gruppo di registi non convenzionali che imponevano il loro gusto raffinato ed enciclopedico al pubblico o semplicemente, che gli spettatori diventavano intelligenti, è difficile dirlo. La fiducia nel buon cinema è stata ripristinata. Mentre i confini tra arte e pubblicità cadevano come il muro di Berlino, dalle macerie sono emerse storie interessanti, infrangendo tutte le regole e le norme.

Khosla Ka Ghosla (2003) di Dibakar Banerjee, Munnabhai MBBS (2003) di Raju Hirani, Swades (2004) di Ashutosh Gowariker e Dev.D (2009) di Anurag Kashyap sono stati alcuni dei capisaldi dell'ultimo decennio. I tipi di film sono spesso diffidenti nei confronti della pubblicità, ma è facile dimenticare quanto la pubblicità abbia arricchito questo mezzo. Satyajit Ray e Shyam Benegal dovrebbero essere sufficienti per il nome per ora. Proprio come loro, il background pubblicitario di Dibakar Banerjee lo ha aiutato a entrare nel cinema. Commedia gentile che si è subito guadagnata il confronto esordiente con le opere di Hrishikesh Mukherjee, Khosla Ka Ghosla è uno spaccato di vita che ha trovato stabilmente negli anni il suo pubblico affezionato. Ma a differenza dell'amato Mukherjee, da allora la carriera del compagno bengalese ha forgiato un futuro allettantemente diverso.

Vieni nel 2005 e avrai la vecchia guardia Sudhir Mishra che dà il meglio di sé. Ubriaco in egual misura di Marx e Ghalib, Hazaaron Khwaishein Aisi unisce le doppie passioni del regista: poesia e politica. Il fatto che stavamo vivendo in un momento epocale poteva essere giudicato dal fatto che era possibile per Dibakar Banerjee e Anurag Kashyap fare film insieme ai loro predecessori come Mishra e Mira Nair. Per inciso, Nair ha portato nel decennio con Monsoon Wedding, un classico crossover del 2001 che, secondo il critico Philip French, è stato il suo miglior film dal suo memorabile debutto nel 1988, Salaam Bombay!

I nostri dieci titoli riflettono il nostro tentativo di ridurre il meglio dell'era post-2000, compresi quelli recenti come Piku, Mukti Bhawan e Dangal. Molto attivi e tuttavia più lenti dei suoi coetanei, Padmaavat e Bajirao Mastani di Sanjay Leela Bhansali figurano nella nostra lista. Queste due opere magnum sono il miglior rappresentante della grande sensibilità, dello stile visivo, del suo orecchio fine per la musica e della sua stessa capacità di evocare visioni di bellezza di SLB. Un'epopea storica alla volta.

Elencati accanto ai film epici ci sono piccoli film poco apprezzati che alcuni di voi potrebbero essersi persi all'uscita iniziale. Vi faremo scoprire quelli, insieme a quelli familiari. Sentiti libero di non essere d'accordo.

Padmaavat (2018)

‘Allah ki banayi har nayab cheez par sirf Alauddin ka haq hai’ – Alauddin Khilji

Deepika Padukone e Shahid Kapoor in Padmaavat. (Foto: Bhansali Productions)

I migliori film di Sanjay Leela Bhansali sono spesso, in fondo, triangoli amorosi condannati: Hum Dil De Chuke Sanam, Devdas, Saawariya e Bajirao Mastani. Deepika Padukone, Shahid Kapoor e Ranveer Singh, Padmaavat non è diverso. Come sempre, Bhansali si propone di realizzare un'opera magnum e questa volta ci riesce quasi. Puoi vedere il tocco SLB in quasi ogni fotogramma, realizzato con cura come un murale barocco che racconta la saga della regina guerriera Padmavati (Deepika Padukone) e del re Ratan Singh (Shahid Kapoor) il cui unico scopo è ricordare agli spettatori i molti tratti ( guroor, usool ecc) che definiscono l'orgoglio Rajput. Entra in scena Alauddin Khilji, interpretato da Ranveer Singh, la musa preferita di Bhansali. Khilji è un intruso, nel loro matrimonio e in India, con malvagi disegni su entrambi. Dal momento in cui Bhansali lo presenta come donnaiolo il giorno del suo matrimonio, sai che Khilji è imprevedibilmente odioso ma stranamente eccitante. Il ragazzo d'oro di Bhansali interpreta il potente sfidante del Sultanato di Delhi con un misto di campo ingannevole e imbroglione da pappy-show. Di volta in volta oggetto di parodia e pietà, suscita abbastanza forze oscure da fare di Padmaavat il suo asso. Raddoppiandosi come regista e compositore musicale, Bhansali usa il dramma, la scenografia, la musica, l'atmosfera e le linee incisive degne di K Asif per creare un monumento inconfondibilmente SLB che è tanto enigmatico dal punto di vista cinematografico quanto storicamente imperfetto.

Mukti Bhawan (2017)

‘Koshish karne se kaun marta hai’ – Signora Verma

Un'immagine di Mukti Bhawan. (Foto: Immagini in movimento sul tappeto rosso)

Dato che il Mukti Bhawan senza stelle ea budget relativamente basso di Shubhashish Bhutiani è una meditazione sulla 'morte', potresti essere sorpreso di scoprire che è così pieno di vita, tutto rigorosamente osservato e con un tremendo senso dell'umorismo. Il Bhutiani contrappone l'India moderna, fatta di telefoni che squillano in continuazione che disturbano i pacifici orari dei pasti in famiglia, chat su Skype nei cyber caffè fatiscenti, ragazze in scooter, con l'India tradizionale e i suoi valori e rituali incastonati nella pietra. Il film si apre con l'anziano Dayanand Kumar (Lalit Behl) che dichiara che il suo tempo è scaduto. Suo figlio rispettoso, il saggio Rajiv (Adil Hussain) è un capofamiglia nel senso indù della parola. Come lasciare tutto per accompagnare il padre nel suo ultimo viaggio verso la salvezza? A malincuore, più per senso del dovere che per amore, il figlio accetta un viaggio a Banaras, la santa città indù dove Daya ha scelto di morire. Il titolo Mukti Bhawan si riferisce a una locanda affollata dove le vecchie anime vagano per morire, ma come l'oste avverte in modo tagliente all'inizio, hai un massimo di 15 giorni per morire. Dopo di che? chiede perplesso Rajiv. 'Vai a casa!' Bhutiani ha un talento per individuare l'umorismo nero nelle situazioni più banali. Quindi hai il locandiere che spazza via un ragazzino indiscreto mentre offre perle di saggezza sulla 'salvezza' o quando Rajiv risponde con una battuta ironica (questa potrebbe essere la battuta più divertente del film) I milionari mangiano frutta, non saggi alle richieste di suo padre comprare frutta per pranzo dopo che il vecchio è stato improvvisamente ispirato a seguire la dieta di un saggio. La relazione di Rajiv con papà Daya costituisce il nucleo emotivo di Mukti Bhawan e il legame del duo (una scena ambientata sul Gange in cui Daya condivide il suo desiderio di rinascere come un canguro è emblematica del tipo di umorismo in cui si diletta questo film) nonostante i dubbi iniziali di Rajiv , il messaggio del film diventa chiaro: impara a lasciar andare.

Dangal (2016)

'Mhari choriyan choron se kam hain ke?' - Mahavir Singh Phogat

Un poster del protagonista Dangal di Aamir Khan. (Foto: Aamir Khan Productions)

Poche star conoscono l'importanza del 'melodramma' e la sua curiosa relazione con l''intrattenimento' nel contesto indiano come Aamir Khan. È questa capacità di cavalcare con successo l'arte alta e quella bassa che lo ha reso un colosso al botteghino. In Dangal, un dramma sportivo ispirato alla vita dell'allenatore di wrestler Mahavir Singh Phogat e delle sue figlie medaglia d'oro Geeta Phogat e Babita Kumari, il regista Nitesh Tiwari sa altrettanto sicuramente quanto Khan e il resto del cast di talento fanno che questo è un Veicolo di Aamir Khan fino in fondo. In Rang De Basanti, Khan ha lasciato che altri ragazzi si facessero avanti e salvassero la situazione. Questa volta, alimenterà il climax nonostante il pubblico tifa con tutto il cuore per le ragazze. La principale preoccupazione del film è come Mahavir (Khan), un piccolo uomo che si aggira intorno all'akadha (anello) rendendo la vita un inferno per le sue figlie (la canzone Bapu, sehat ke liye tu toh hanikarak hai è la fervente supplica delle ragazze contro il regime di papà), trasformerà le reclute Geeta (Zaira Wasim, Fatima Sana Shaikh) e Babita (Suhani Bhatnagar, Sanya Malhotra) in una macchina vincente. Il film inizia con Mahavir che desidera ardentemente un erede maschio, ma quando le sue figlie tornano a casa dopo aver malmenato un ragazzo del posto, è pronto a individuare il loro nascosto talento da pugile. Come la maggior parte dei piaceri della folla di Khan, Dangal è uno schiaffo emotivo che è fin troppo felice di gettare un'infarinatura di questioni sociali (patriarcato, emancipazione femminile, apatia istituzionale, e chi più ne ha più ne metta).

Piku (2015)

'Kamaal hai, aap har baat ko pet ke saath kaise jodd dete hain?' - Rana, proprietaria di un'agenzia di trasporti

Deepika Padukone e Amitabh Bachchan in Piku. (Foto: MSM Motion Pictures)

L'ultima volta che Amitabh Bachchan ha interpretato Bhaskar Banerjee è stato in Anand, un'iconica tragicommedia del 1971 che ha segnato l'inizio dei suoi inning straordinariamente lunghi. Più di quattro decenni dopo, Bhaskar ritorna come padre ipocondriaco alla millenaria Deepika Padukone in questa fetta di vita. Il regista Shoojit Sircar e lo scrittore Juhi Chaturvedi sono fan delle commedie calde e quotidiane di Hrishikesh Mukherjee. In Piku, Bachchan funge da collegamento dal lontano passato, un tempestivo promemoria che Hrishikesh Mukherjee è scomparso da tempo, ma la sua influenza è molto viva e vegeta nei nuovi registi. (Khosla Ka Ghosla potrebbe funzionare come una bella doppia fattura con Piku). Nota la gentile ironia: in Anand, Bhaskar era un medico mentre il Bhaskar di Piku (o Bhashkor, come il film preferisce chiamarlo) è il tipo di paziente cappellaio matto a tutto tondo che farebbe impazzire il serio e timido dottore di Anand, Bhaskar. È eccessivamente ossessionato dalla digestione, come la maggior parte dei bengalesi, a quanto pare. Sircar contrappone il fastidioso e esagerato Bhaskar con la riservatezza tranquilla e volitiva di sua figlia, Piku (Padukone). Questo film parla del loro improbabile legame. In una scena divertente, Bhaskar cerca di dissuadere un giovane che potrebbe essere interessato a lei dicendo: Non è vergine. Non vuole che lei si sposi e lo lasci a badare a se stesso. Piku parla di famiglia e genitorialità (con un sacco di chiacchiere banali spacciate per un tipico umorismo bengalese), ma anche di prendersi cura, un argomento che Sircar e Chaturvedi avrebbero rivisitato alcuni anni dopo nel non celebrato ottobre (2018). Sorpresa: l'insolita chimica di Irrfan Khan e Padukone, mentre il film si lancia in un divertente viaggio on the road.

Bajirao Mastani (2015)

‘Aap humse hamari zindagi mang lete hum aapko khushi khushi de dete, par aap ne toh humse hamara guroor hi cheen liya’ – Kashibai

Ranveer Singh in Bajirao Mastani di Sanjay Leela Bhansali. (foto d'archivio express).

L'eroe di Bajirao Mastani di Sanjay Leela Bhansali deve dimostrare di essere degno del trono di Peshwa. Mirando al suo bersaglio, la sua freccia affilata colpisce il bersaglio. L'oggetto non è la testa del nemico ma un'innocua piuma di pavone. Nascosti sotto ci sono cumuli di simbolismo. Nel racconto di Peshwa Bajirao (Ranveer Singh), il pavone è un simbolo dell'impero Mughal, la terra sottostante è suolo indiano mentre la freccia fatale appartiene ai valorosi Maratha. La piuma di pavone ha una risonanza simbolica per gli eventi a seguire, poiché il tanto sposato guerriero Maratha si innamora del musulmano Mastani (Deepika Padukone). Questo è un classico espediente Bhansali che prepara il terreno per un finale sfortunato. Ogni osservazione e argomento in Bajirao Mastani viene punzonato con catarsi a doppio taglio. Come Mastani ricorda alla moglie di Bajirao, Kashibai (una scintillante Priyanka Chopra), mi ha tenuto la mano ma non ha mai lasciato la tua e ha stretto un legame con me assicurandosi che il tuo non fosse rotto. Per Kashibai, questa era una maledizione lungamente in atto. C'è una scena stellare all'inizio quando la sua amica vedova che porta le ceneri di suo marito la avverte che, come lei, un giorno avrebbe sofferto per amore. Ecco qua, la quintessenza della sofferenza, del tormento e della perdita di SLB: ogni personaggio lo attraversa, perché il 'triangolo' non è altro che un cerchio di agonia ed estasi.

Corte (2014)

'Tempi difficili sono qui/Siamo sradicati dal nostro suolo/Questa era di cecità/Ci ha cavato gli occhi' - La poesia di Narayan Kamble (Sambhaji Bhagat)

La corte è diretta da Chaitanya Tamhane. (Foto: Zoo Entertainment Pvt Ltd)

Il sistema giudiziario indiano è notoriamente lento. Il debutto di Chaitanya Tamhane osserva la ricerca indiana della giustizia con freddo distacco. La telecamera segue non solo ciò che accade all'interno del tribunale, ma anche all'esterno, nella vita e nella mente dei guardiani della giustizia. L'attivista sociale e cantante di protesta Narayan Kamble viene arrestato per il suicidio di un lavoratore delle fognature, ispirato a togliersi la vita dopo aver ascoltato una delle travolgenti canzoni popolari di Kamble. Gran parte di questo film sobrio e scarno si svolge nell'aula del tribunale di Mumbai, quando Kamble viene convocato per l'udienza. Uno dei personaggi più affascinanti è l'avvocato difensore Vinay Vora (Vivek Gomber) che, pur rappresentando la casta inferiore Kamble, non può essere più socialmente allontanato da lui. Privilegiato e uomo di gusto raffinato (amante dei formaggi, del vino e del jazz), come può considerarsi veramente un paladino dei poveri vivendo una vita così elitaria? In confronto, il pubblico ministero Nutan (Geetanjali Kulkarni) conduce una vita più semplice, incarnando l'ordinarietà della classe media che la colloca nella stessa classe sociale di Kamble. L'interpretazione di Tamhane della legge e dei legislatori è a turno satirica ed empatica, ma l'unica cosa che è cruciale per il suo successo è quanto si rivela osservativa e oggettiva. Ben recitato (per lo più un cast alle prime armi) e stimolante, Court è un trionfo del naturalismo.

Il pranzo al sacco (2013)

‘Kabhi kabhi galat train bhi sahi jagah pohocha deti hai’ – Shaikh

Irrfan Khan in un fotogramma di The Lunchbox. (foto d'archivio express)

'Le anime solitarie si incontrano su barattoli di tiffin indiani'. È così che The Guardian ha salutato il festival preferito di Ritesh Batra, con protagonista il mutaforma Irrfan Khan al fianco di Nimrat Kaur e un emergente Nawazuddin Siddiqui. Il critico indiano Baradwaj Rangan è stato più creativo. Mangia, randagi, ama, riassumeva. Altrimenti noto per la loro efficienza, il leggendario servizio dabbawala di Mumbai consegna il pranzo caldo fumante al vedovo Saajan Fernandes (Khan) invece del legittimo proprietario, il marito della casalinga Ila (Kaur). Il raro errore del dabbawala si traduce in una delle storie d'amore più affascinanti che vedrai nel cinema hindi, un ritorno all'estetica più semplice e allo stile di vita non eccezionale che potrebbe rendere i Mumbaikars un po' nostalgici. In un'intervista a India Today, Batra ha fornito alcune informazioni sull'errore di consegna, ci sono elementi magici di realismo intercalati nella storia. Il pubblico può trarre le proprie conclusioni, ma non credo che (errore di consegna) sia un errore. Sento che è un miracolo. Girato con il ritmo lento di un romanzo (che consente di delineare i personaggi in modo sfumato), The Lunchbox è una magistrale vetrina delle abilità di Irrfan Khan mentre tenta di rappresentare la vita interiore di un impiegato di tutti i giorni che potrebbe aver dimenticato il significato della speranza , l'amore e la vita stessa. Ila risveglia le sue emozioni sopite e, dopo un lungo scambio di lettere clandestine nascoste nel cestino del pranzo, gli estranei finalmente trovano il coraggio di incontrarsi. Una delle gioie di The Lunchbox è l'improbabile accoppiamento di Irrfan Khan e Nawazuddin Siddiqui, ma vedendo il film, potresti non essere in grado di indovinare il passaggio simbolico della torcia - né uno spettatore innocente sarebbe in grado di prevedere la leggendaria ascesa alla celebrità di Nawaz . Questo è un film sull'ordinarietà poetica e senza fanfara, la noia e il trambusto delle vite senza pretese e il loro desiderio, il Chhoti Si Baat, il Baton Baton Meinand Wagle Ki Duniya dei nostri tempi.

Nave di Teseo (2013)

‘Hamare har kaam ka prabhav kaal akash par rehte har parmanu pe padhta hai’ – monaco Maitreya

Un fotogramma del film La nave di Teseo. (Foto: Recyclewala Film)

Quando la nave di Teseo del prodigio Anand Gandhi è uscita nel 2013, Shekhar Kapur, Sudhir Mishra e Dibakar Banerjee si sono immediatamente dichiarati fan. Contemplativo e intellettuale, Nave di Teseo trae il suo potere dai concetti di filosofia, identità, etica e religione. Per un regista così giovane (Gandhi aveva solo 33 anni al momento della sua uscita), era piuttosto un boccone. Ispirato alla parabola di Plutarco che pone l'insolita domanda: 'Se tutte le parti della nave vengono sostituite nel tempo, è davvero la stessa nave?' La nave di Teseo trasforma l'esperimento mentale in un trattato che utilizza la donazione di organi per sottolineare la scelta umana e la moralità. Spiegandosi in tre trame parallele, la prima presenta una fotografa non vedente (Aida El-Kashef) che sta facendo i conti con la sua disabilità. Successivamente, incontriamo l'affabile monaco Jain (Neeraj Kabi come Maitreya) che è intrappolato tra la riconciliazione dell'esistenza e la sopravvivenza con la sua ferma etica morale e ideologia che minacciano la sua stessa vita. Combattendo per ridurre la 'sofferenza' di qualsiasi tipo, il saggio rifiuta le cure sulla base del fatto che le medicine sono state testate sugli animali. Che dire della violenza che stai commettendo su te stesso non prendendo medicine, sostiene Charvaka, un giovane avvocato frustrato dalla visione testarda di Maitreya. Dal punto di vista di Maitreya, la risposta alla domanda ardua del 'significato della vita' risiede nell'illuminazione e nella liberazione finale dalla sofferenza perpetua della vita e della morte. Il terzo – e più riconoscibile episodio – appartiene all'agente di cambio Navin (Sohum Shah) che, in cerca di redenzione, intraprende un viaggio fino in Svezia per aiutare un povero a riavere il suo rene. Tutti e tre i protagonisti, come la fatidica nave, hanno visto cambiare le parti del loro corpo. Ma chi lo sa, un po' del loro io originale giaceva sepolto da qualche parte tra le macerie dei loro nuovi corpi? Visivamente sublime, pieno di idee intelligenti e argomenti cerebrali e un omaggio al cinema come veicolo di pensiero e filosofia, Ship of Theseus evoca un enigma sulla vita e l'esistenza e sui suoi misteri e significati. Guarda anche: Tumbbad (2018) di Rahi Anil Barve dalla scuderia di Gandhi è una festa visiva, un mito gotico che prende vita.

Hazaaron Khwahishen Aisi (2005)

'Ecco perché non riesco a capire voi ragazzi ricchi che giocate a questo gioco del 'Cambiamo il mondo'. Mentre tu stai cercando una via d'uscita, io sto cercando una via d'uscita' - Vikram

Chitrangada Singh e Shiney Ahuja in Hazaaron Khwaishein Aisi. (foto d'archivio express)

Sudhir Mishra, dagli occhi sognanti e temprato dalla battaglia, stava difendendo l''indie' molto prima che il termine prendesse piede. Eppure, il regista dai capelli d'argento e carismaticamente vagabondo ha dovuto lottare per la rilevanza quasi ogni decennio. Nessuno sta suggerendo che tutti i suoi film siano fantastici – ammette che alcuni sono halki (leggeri) – ma quelli per cui è più conosciuto sono sopravvissuti alla prova del tempo. Questi includono Dharavi (1991) e il culto Yeh Woh Manzil To Nahin (1987) e Is Raat Ki Subah Nahin (1996). Hazaaron Khwahishen Aisi è di gran lunga il più compiuto del lotto, un film tanto intensamente personale quanto politico che riesce a trovare la giusta nota tra l'anarchia e il romanticismo di Mirza Ghalib e l'idealismo fuori luogo e la violenza emotiva del naxalismo. Denso e ben recitato, Hazaaron Khwahishen Aisi, ambientato a Delhi negli anni '70, racconta le vite degli amici Siddharth (Kay Kay Menon), Vikram (Shiney Ahuja) e Geeta (Chitrangada Singh).

Il socialista Siddharth si ribella al suo passato privilegiato per portare la rivoluzione. Vikram è probabilmente il suo opposto: un figlio trascurato di un padre ricco che vuole diventare più ricco. Alla fine diventa un potente faccendiere nei circoli di Delhi. Più equilibrato dei due, Geeta è la loro distrazione. Nella sua prima uscita, Chitrangada Singh ha una sorprendente somiglianza con il grande Smita Patil che ti fa chiedere se Hazaaron Khwahishen Aisi sia stato realizzato negli anni '80, con Patil nel cast al fianco di Naseer-Om Puri in che tipo di film si sarebbe trasformato. Pensiero speranzoso!

Nel frattempo, Mishra si diverte a mettere in bocca ai suoi personaggi tutti i discorsi vuoti di rivoluzione, giustizia sociale, uguaglianza e cambiamento. In scene che potrebbero risuonare di più oggi, apre il film in un'ambientazione simile alla JNU, dove i figli di Bob Dylan e Jimi Hendrix ballano e bevono tutta la notte mentre allevano 'laal salaams' e sognano pace e prosperità, come dice il cinico Vikram. L'umorismo ironico di Mishra è magnificamente incorporato nella sceneggiatura. Ad esempio, la scena in cui un ricco padrone di casa colpito da un attacco di cuore accetta di essere curato da un medico di casta inferiore, un erede legittimo che crede ancora nel socialismo ma non può gettare via le trappole della ricchezza o quando Vikram urina a cielo aperto, cantando, se c'è beatitudine, è questa. Il film è fortemente guidato dalla nostalgia. È sia un inno che un'elegia al sogno e alla decadenza degli anni '70, una generazione che ho adorato, anche la generazione che ha fallito, ha detto una volta Mishra alla rivista Outlook, aggiungendo, inoltre, c'è anche bellezza, giovinezza e passione. E quando svanisce, l'idea dell'amore rimane. Non c'è da stupirsi, lo chiamano un 'incurabile romantico'.

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Dil Chahta Hai (2001)

‘Hum cake khaane ke liye kahin bhi jaa sakte hai’ – Sameer

Akshay Khanna, Saif Ali Khan e Aamir Khan in Dil Chahta Hai. (foto d'archivio express)

L'amicizia, i viaggi su strada, il raggiungimento della maggiore età e la famiglia disfunzionale sono il fulcro del cinema di Farhan e Zoya Akhtar, e Dil Chahta Hai è il loro risultato supremo. Inoltre, il film parla davvero di 'amore' e di come i protagonisti reagiscono ad esso. Akash (Aamir Khan) è contrario all'amore. Cos'è tutta questa roba da innamorati? chiede alla frizzante Shalini (Preity Zinta). Lei esce da lui, alzando le spalle, Non lo capirai. Sameer (Saif Ali Khan), d'altra parte, confonde l'infatuazione con l'amore. Più maturo dei due, il riservato Sid (Akshaye Khanna) è l'unico che comprende veramente il significato dell'amore. Il suo amore per la molto più anziana Tara (Dimple Kapadia) è profondo, qualcosa che la sua famiglia e i suoi amici all'inizio non comprendono appieno. Il trampolino di lancio di Farhan Akhtar non contiene riflessioni filosofiche sulla natura dell'amicizia e dell'amore, ma tira i giusti pugni emotivi. 19 anni dopo, rimane fresco e divertente come sempre.